綜觀歷史，眾人齊力創造且延續了這個讓性別角色主宰人們生活的社會。女人們仍持續為了差不多的「天賦（男）人（特）權」而抗爭，而在許多情況下，女人已經取得勝利。只是她們的勝利並非因為人們突然間都重視女性，或是性別平等，而是因為她們的聲音終於被聽見。
1933年，在世界上最嚴重的經濟衰退期間，Mary Beth Edelson出生於芝加哥東部。Edelson的原生家庭由許多社運活動家組成，各個為促成改變必需的堅毅且勇敢而瘋狂。（Mary Beth Edelson Timeline） 從Edelson年幼時，團結合作以及力量的重要性便深根於她的腦海，且毫無無疑地持續伴隨著她至今。Edelson曾高呼：「無論你在任何情況，最好都要能成為團體中的一份子。」說明勇氣和力量能夠來自於社群的團結，而不是獨自一人。
Edelson的一生中沒有任何一刻不專注於藝術。無論是為她的高中戲劇設計劇集，在芝加哥藝術學院上課，還是在她的工作室工作Edelson都不斷沉浸在藝術世界。Edelson繼續追求她對藝術和行動主義的熱情，並將自己置於七〇年代女權主義藝術運動的核心。
1973年末，瑪莉娜在羅馬的當代藝術展演中重演了《Rhythm 10（節奏十）》（《Rhythm10（節奏十）》：Marina Abramovic行為藝術之路的起點），為了讓自己的藝術更發自內心，她在表演中加劇自己使用身體的程度，使用了共二十把刀，是第一次的兩倍。隔年，她在返鄉教書期間，於貝爾格勒SKC學生活動中心演出了第一次情況失控的表演——《Rhythm 5（節奏五）》。
（1974年，瑪莉娜於貝爾格勒SKC演出《Rhythm 5（節奏五）》）
《Rhythm 5（節奏五）》是瑪莉娜第一次在表演中失去意識，而被迫中斷的經驗。她在SKC門口的廣場搭建了兩個巨大的五芒星，用以代表共產制度（瑪莉娜成長過程中極力掙脫的環境壓迫來源之一），也代表著一些類似邪教儀式、古老宗教意味的強大象徵力量：「我試著藉由在我的作品中使用這些標誌來了解它們的深層意涵。」；接著她在五芒星上點燃火焰，並剪下自己手腳的指甲和及肩長髮，全丟進火焰裡。最後一個動作，是瑪莉娜自己以大字型躺進熊熊火焰之中，現場陷入一片死寂，直到火焰燒及表演者的腿部，觀眾才發現她已在缺氧的環境下失去意識，才中斷表演強迫將她救出。
在這一次的表演經驗中，瑪莉娜為表演所投注的憤怒情緒隨著演出失控，使得她下定決心：「我要求自己要在不打斷演出的前提下，在意識與無意識之間運用我的身體。」
Marina Abramovic（以下簡稱瑪莉娜），成長於一九四〇年代中期到七〇年代中期的戰後南斯拉夫，瑪莉娜的母親極其嚴格，一直到瑪莉娜年近二十五，即將擠身國際藝術家行列，且已與第一任丈夫內薩・帕里坡維奇（Nesa Paripovic）結婚時，瑪莉娜仍然必須遵守母親設下的宵禁，於每晚十點前回到她們位於貝爾格勒的家就寢，且家中不得有男人進入。
「我不斷想著自由——脫離我母親、脫離貝爾格勒、脫離二為藝術。通往自由的道路之一就是金錢。我從沒有過自己的財富。雖然我什麼都不缺，卻活在受到資助的強烈束縛之中。」
一直到1972年末，蘇格蘭策展人理查・德馬寇（Richard Demarco）來到貝爾格勒參訪，輾轉聽聞了瑪莉娜與當時的藝術同伴們時常展演的學生文化中心「SKC」裡，發生的許多行為藝術事蹟，並在見面過後決定邀請瑪莉娜一行人前往隔年的愛丁堡藝術節。這是瑪莉娜第一次以藝術家身份離開南斯拉夫，而《Rhythm 10（節奏十）》便是她在1973年的愛丁堡藝術節上實行的行為藝術作品。
（行為藝術教母Marina Abramovic於1973年的愛丁堡藝術節演出《Rhythm 10（節奏十）》）
當教授問我，戲劇和電影系你會選擇哪一邊，當時我脫口而出的三個字，其實著實地嚇到我了。我心裡完全沒有答案，但是在深吸一口氣之後衝出口——「戲劇系。」那個當下，我覺得好爽，雖然當時我真的不明白是甚麼原因，也許是冥冥之中的帶領，旁邊有人幫我說了，我的反應就像是：「哎，你是誰，你幹嘛幫我說？」
但後來事實證明，比起影像，在舞台上演戲我是更自在的。雖然每當我站在側台，即將上場，離布幕就那麼一公分的時候，我總是全身上下都緊張地像可以立刻死亡一樣，但只要一走出去，看到觀眾們，感受到燈光打在我身上，說出第一句台詞的時候，那感覺立刻轉變成：「你們通通給我坐好，看姊姊做戲囉！」
（2015年舞台劇《赤鬼》；左 /那女人，李安琪飾 ）
初見鄭曉嶸Hsiao-Ron Cheng的作品，是她替澳洲電氣歌手Troye Sivan所繪製首張專輯——《Blue Neighbourhood》封面，其實Troye Sivan對她的作品情有獨鍾已經不是首次，EP《Wild》的封面繪畫也是出自鄭曉嶸之手。《Blue Neighbourhood》的封面將Troye Sivan放置在一個單點透視大對稱，且溫暖如夢境般建構的空間內，在粉藍色調與粉橘色的空氣環繞下，淡雅且細緻的繪畫風格將Troye的空靈及憂傷情緒表現在封面中央，相當吸引觀者目光。鄭曉嶸畫筆下Troye陰柔美型的神態，與冷暖色相互融合的氛圍間，透露出愛情是甜美與苦澀共存的，而同志情感間又加上被社會邊緣化後，無以化解的痛楚惆悵與無奈。
拼貼藝術（Collage）是西方國家設計或藝術課程中很重視的一環。其實我們所接受的美術教育，從小到大的勞作課中，就有許多課程是透過不同材質、視覺元素的構成，培養學子的美感及構圖能力。提到拼貼藝術，追本溯源到藝術的歷史，立體派、杜象與超現實主義就是最早使用拼貼觀念的流派，利用不同顏色、形狀與角度的材質來做創作。
畢卡索（Pablo Ruiz Picasso, 1881-1973）的亞維農少女（Les Demoiselles d‘Avignon ），畫面就是以拼貼概念呈現；實際作品最早為布拉克（Braque Georges 1882-1963）的小提琴作品。
其後於第一次大戰期間形成的達達主義，影響到現在活動中的每個新藝術運動，1913年由杜象為首在紐約所領導的達達主義，對當時的藝術家造成了多種不同的影響和衝擊。來自歐洲各地的藝術家，聚在瑞士中立國，創造了反戰、反現代生活、反藝術的作品，並自稱為「達達」（Dada），他們反對嚴肅的教條，試圖破壞當時的藝術規範，形成一種「反藝術」。由於藝術和美學相關，傳統藝術品通常要傳遞一些必要的、暗示性的、潛在的信息，而達達者派的創作則追求「無意義」的境界。
3D Street Art一直是街頭藝術家特別喜歡的表現方式，這種藝術表現形態能夠與觀者產生互動，並且能帶來強烈的視覺感官效果，通常能夠帶給觀者愉悅感或是刺激感。大眾對此手法絕對不陌生，在廣告行銷手法上，也經常被做為情境空間打造，或互動裝置的呈現。位於東京台場東京DECKS Tokyo Beach的四樓的トリックアート迷宮館：Trick Art Museum（東京幻視藝術館），就是一個走訪東京時值得一玩的幻視藝術大集。
幻視藝術即「錯視藝術」，透過眼睛視覺的錯判與解讀，讓2D的平面繪畫成為3D呈現，透過陰影與角度上的計算，讓肉眼所見的繪畫彷彿立體呈現在眼前。此館外觀是彩繪的江戶時代建築及人物，在入口處便可以看見錯視牆上一位繪畫出來的江戶年輕婦女，面帶微笑躬身恭候民眾光臨，正式進場後會發現女子的臉呈現橢圓形，整個身體也是變形，透過角度的精準計算，讓觀眾很快地就可以感受到趣味感。
藝術館有四個區域，其中兩個區域有暗門設計，必須找到暗門方可往下一區前進，入場後所見的區域均為大江戶町，再往下走入暗門會進入日本傳統鬼屋，鬼屋區的暗門一推卻走到了名畫藝廊，最後是腦力激發錯視互動區。多幅立體畫像以讓遊客發揮演技拍下有趣的照片，在不同角度會有不一樣的景象，趣味十足，在トリックアート迷宮館的官網上，還可以投稿拍攝的趣味照片。
（館外壁畫及入口處）
遊客可以模擬在江戶街道上乘涼，摸摸鑽來鑽去的小貓，跟店家老闆娘互動，最有趣的是用四面體崁於牆面上的彩繪，透過角度的運算及透視的寫實繪畫，游移的江戶街道讓遊客們都大開眼界。
朋友之前在倫敦工作，最近回來。約在咖啡館閒聊。
幾年不見，他的眼神隱含靈光，氣質逼人，整個人都不同了。而我又老了一些，變得臃腫俗氣。連忙問他倫敦是什麼樣子。他說英國跟台灣最大的不同，在於人與場景。
台灣的藝文界與次文化圈，人際關係比什麼都重要。不論職業或背景，分成一個又一個圈子。大小圈子會疊合，也分邊界，非常僵化。要判斷一個人的價值，不是靠那個人的本質，而是先看他的名氣與人際關係。有的人天生討人喜歡，就容易受歡迎。有沒有實力相對來說不太重要，只要東西不太爛，還過得去，就會被接受。
而沒有身份或位置，抑或名氣，又沒有外表與人際關係，就不會被視為圈子的一部分。在台灣的時候，他為此感到窒息。回來之後發現也沒什麼改變，大家都這樣苟且活著。
即使是社運，常常也是口號喊得漫天掩地，立場與情緒放到最大，思想與體悟放在最後。沒有人認真思考，不斷重複前人已經做過、說過的事。明明可以改變一切，卻只是鄉愿地相互取暖，追求爽感。然後為了事情不如意感到受傷。看得透徹的人反而會被排擠，被視為叛徒，或是白癡。也因此讓論述弱化，並扼殺先知，運動失敗。
（封面照片：庭瑄的作品《夢細胞母體》繪畫過程）
沿著兩側牆面皆是滿版塗鴉的走廊前進，走進東南科技大學街頭藝術社的社辦，映入眼簾的是兩大櫃五顏六色、排列整齊的噴漆罐，粉紅色的牆面貼著幾張塗鴉海報，吊著一件T恤，上頭用塗鴉寫著「落書き禁止」，日文的意思是「禁止塗鴉」。地上立著幾塊滑板，地板佈滿不經意滴灑出的顏料；音響播放著重節拍的饒舌樂，以及些許有機溶劑的味道，整個社辦的空間充滿一股藝術、自由與叛逆的味道。
（社辦排列整齊的噴漆罐們）
（社員合照）
台灣新生代藝術家謝牧岐Muchi Hsieh，出生於1981年。國立台北藝術大學美術創作研究所畢業的他專攻油畫，但作品表現形式包羅萬象，包含了繪畫、行為藝術與攝影。謝牧岐的創作中最常使用錄影的方式，結合音樂與戲劇方式呈現，透過自己扮演不同的角色來詮釋「繪畫創作」，並且與其他角色共同置身於所設定好的空間場域，這些行為改變了所有繪畫生產的要素，不同的繪畫元素介入整個繪畫的過程中，就會影響並改變其繪畫結果。
在他的代表作品之一：《牧岐與繪畫》系列中，他將「牧岐繪畫」建立為一個品牌M&P（Muchi and Painting），影片中他穿著土豪金的M&P金色外套，乍看之下明星架勢十足，化身繪畫天王，並讓繪畫過程在一群穿著防塵衣的人如同加工廠「生產」繪畫。透過自創品牌的建立，進而讓作品不再單純是作品，且不侷限於單一繪畫作品的理念及創作方式解釋想法，而是整個品牌本身即成為一個作品。謝牧岐以幽默方式揶揄藝術家被吹捧成明星，藝術品被炒作成品牌商品的現象。他的創作除了探討自我與繪畫之間的關係，也是一種對社會的觀照與自我反省的呈現。
「你得挖出自己的東西、建立鮮明風格，還要讓市場接受」
Mummum Zine 